lunes, 18 de diciembre de 2017

LOS MEJORES DISCOS MEXICANOS DEL 2017



A punto de concluir un año más, en Música Inclasificable enlistamos nuestros 13 discos mexicanos favoritos del 2017.

Pese a los deseos y afirmaciones de diversas personas, quienes consideran que el rock en México está muerto y no cuenta con dignos representantes de calidad en la actualidad, para nosotros el principal error que se comete es la falta de interés en la búsqueda de propuestas. Con las herramientas y facilidades que ofrece la tecnología, resulta incomprensible la actitud pasiva que han adoptado muchos, quienes se mantienen a la espera de recibir todo sin al menos ensuciarse un poco las manos.

En ese mismo sentido, luce risible la actitud infantiloide de un sector de los músicos nacionales, quienes gustan de la victimización para intentar generar lástima entre los demás y así captar atención. El discurso de "apoyar la escena local" luce muy gastado y carente de significado porque la mayoría de las personas que lo emiten ni siquiera tienen una definición clara de "escena" ni de "apoyo". ¿Únicamente los aplausos y los elogios cuentan como "apoyo" o de verdad los músicos mexicanos están abiertos a la crítica periodística?

Por último, reafirmamos nuestra postura sobre la importancia de conocer el pasado para poder comprender el presente, con la advertencia de que ni todo lo antiguo es obsoleto ni todo lo nuevo es vanguardista.

Sin ningún tipo de orden de importancia, todos los álbumes de la lista aparecen en estricto orden alfabético.


También pueden revisar nuestras listas con los mejores discos mexicanos del 2010, 2011, 2012, 2013, 2014, 2015 y 2016.


A.P.E. - Intitulable
(Abstrakt Muzak)


Conjunto de Monterrey que en su ópera prima presenta un misterioso sonido instrumental que transita por el shoegaze, el drone, el noise y por el llamado post rock, pero sin quedarse estacionado en un género en específico. Recomendamos leer nuestra reseña completa del álbum aquí.


Aguilera / Rezc - Promesaluz
(Editorial El Fuego de la Memoria)


José Manuel Aguilera (recomendamos leer la entrevista que le realizamos), fundador y líder de La Barranca, se unió a Yamil Rezc para dar a luz ocho composiciones que ellos definen como pop, aunque en este caso se trata de un pop fino, de gélidos teclados, lúgubres atmósferas y con letras llenas de misticismos y metáforas.


Annapura - III
(Ethospine Noise Records)


Si la Ciudad de México tuviera un soundtrack, lo más probable es que sonara como el trabajo de Annapura: canciones sudorosas, sucias y violentas de escasos segundos de duración que te escupen en la cara y no te dejan respirar. Cuando apenas te empiezas a acomodar los audífonos, el disco ya se acabó.


Chivo Negro - Volume Death
(Avandadoom Records)


Este joven trío tapatío de rock estridente se desliza por estilos que resultan similares entre sí como el sludge, el doom, el drone y en menor medida el stoner rock, para dar como resultado una obra que resulta más oscura y perturbadora que una pesadilla de David Lynch. Recomendamos leer nuestra reseña completa del álbum aquí.


Descartes A Kant - Victims of Love Propaganda
(Cleopatra Records)


El material más arriesgado de este sexteto es también el mejor logrado. Con la producción del legendario Steve Albini y editado por el sello californiano Cleopatra Records, muestra a un conjunto que siempre se encuentra en constante ascenso y el cual todavía no ha alcanzado su punto máximo.


Desconecte - Quasimodo
(Independiente)


A medio camino entre la llamada música clásica y el rock, este cuarteto de violines, violonchelo y percusiones es un ejemplo claro de lo que significa nadar a contracorriente pero nunca detenerse pese a las adversidades. Lo único seguro es que nadie suena como ellos en todo el país.


Electric Mountain - Electric Mountain
(LSDR Records)


Admiradores de Cream, Jimi Hendrix Experience y Blue Cheer, este power trío mexicano que parece perdido en el tiempo presenta en su álbum debut un potente rock psicodélico de furibundos riffs de guitarra que se alimenta totalmente de la década de los sesenta del siglo pasado.


Has A Shadow - Sorrow Tomorrow
(Fuzz Club)


El segundo álbum de este proyecto que ahora reside en la capital mexicana transpira psicodelia y oscuridad que resulta natural que el reconocido sello británico Fuzz Club lo haya editado. Suenan como si  en una fiesta imaginaria Roky Erickson de los 13th Floor Elevators se pusiera a palomear con Joy Division.


J. Zunz - Silente
(Monofonus Press)


Lorena Quintanilla conforma la mitad de Lorelle Meets The Obsolete (recomendamos leer nuestra entrevista con la banda) pero este año debutó con su proyecto en solitario J. Zunz. Con algunas reminiscencias a su grupo principal, en esta nueva etapa se aprecia un denso sonido dominado por teclados, rasgueos de guitarras y voces fantasmales.


Matorral Man - Adulterio Estereofónico
(Pachecos Sounds)


Tuvieron que transcurrir ocho años para que Matorral Man presentara su nueva producción que resulta en una licuadora sonora en la que revolvieron la música surf con el lounge, la exótica y varios elementos de la cultura cinematográfica popular mexicana. Suelen definirse a sí mismos como "El nuevo sonido retro" y están en lo correcto.


The Risin' Sun - Plastic Journey
(Toga Records)


El nuevo trabajo de este tridente capitalino muestra su gusto por el rock psicodélico, el blues, el soul, los chalecos y la ropa vintage. Son uno de los grupos nacionales más activos de la actualidad y ya cuentan con experiencia internacional.


San Pascualito Rey - Todo Nos Trajo Hasta Hoy
(SPR Records)


El rock y la literatura tienen muchas cosas en común pero donde mejor convergen en nuestro país es en el trabajo de San Pascualito Rey, experimentado conjunto que ha demostrado que el dolor también se puede disfrutar.


Vinnum Sabbathi - Gravity Works
(LSDR Records / Aim Down Sight Records / Southcave Records)

En un lustro este cuarteto mexiquense ha logrado más cosas que la mayoría de las bandas nacionales que esperan en lugar de buscar. Su doom metal con sampleos de la NASA forzosamente debe ser escuchado a máximo volumen. Recomendamos leer nuestra reseña completa del álbum aquí.

domingo, 17 de diciembre de 2017

Festival Aural 2017: La noche más ruidosa del año con Lightning Bolt, KK NULL & Balázs Pándi y (SIC)



Con un obligado cambio de fecha, el Festival Aural reafirmó el por qué es uno de los más arriesgados y vanguardistas del país.

Todas las fotografías son cortesía del Festival Aural

Contra el pronóstico de muchos y cuando parecía que la sexta edición del Festival Aural sería cancelada por los daños del sismo ocurrido el pasado 19 de septiembre, la organización realizó un trabajo ejemplar para que todo se llevara a cabo en diciembre y sorprendentemente con la mayoría del cartel que se había anunciado en un inicio.

De esta forma, el segundo día de actividades del Festival Aural estuvo conformado por tres duetos musicales, todos de diferentes nacionalidades y ligados de diversas maneras al noise, por lo que se prometió que sería la noche más ruidosa del año.

El Foro Indie Rocks fue el lugar al que de manera paulatina comenzó a llegar un nutrido grupo de personas, tanto de fieles seguidores que anualmente asisten al Festival, como de nuevo público que por primera vez se aventuró a dejarse llevar por las arriesgadas propuestas musicales. En medio del lugar se podía ver a un inquieto Rogelio Sosa (recomendamos leer la entrevista que le realizamos), organizador de Aural, quien con sus gafas de pasta saludaba a los asistentes y ultimaba los detalles del concierto.

La sesión de ruido dio comienzo con (SIC), un dueto mexicano conformado por el experimentado Julián Bonequi, con más de dos décadas de experiencia en el campo de la experimentación musical y fundador de la plataforma Audition Records, junto al joven Rodrigo Ambriz, quien cuenta con una corta pero interesante trayectoria. Músicos de diferentes generaciones reunidos con un mismo objetivo: sorprender a todos los que se atrevan a escucharlos.

Describirlos resulta demasiado complicado pero en definitiva se trata de un proyecto único en el país porque no existen otros referentes. Con Bonequi en la batería, por momentos recordaba a una ceremonia pagana de la que todos éramos partícipes; por otra parte, Rodrigo se apoderó del micrófono y a través de gesticulaciones y cacofonías, asemejaba a un scat combinado de manera bastante obvia con el trabajo de Mike Patton en su faceta con Fantômas.

Julián Bonequi y Rodrigo Ambriz son (SIC)

Después de la improvisación de la dupla mexicana tocó el turno para ver al dueto conformado por el japonés KK NULL junto al baterista húngaro Ballázs Pandi, quienes fueron uno de los proyectos que se agregaron de último momento al Festival Aural, después del cambio de fecha.

Sobra decir que KK NULL, viejo conocido del público mexicano gracias a su legendaria presentación del 2010 en el ya desaparecido Festival Radar junto a sus compatriotas Boredoms, levantó fuertes expectativas en su regreso a nuestro país debido a que se trata de una de las cartas fuertes del llamado japanoise actual. Ahora, en formato de dueto junto a Ballázs Pandi, se encargaron de ofrecer una sesión de música ruidosa y caótica que combinaba elementos de free jazz con sonidos galácticos emanados de una laptop y provocaron que el nutrido público que para entonces ya ocupada casi en su totalidad la casona ubicada en la colonia Roma, se contorsionara en extraños movimientos de baile. Con tan sólo un par de pausas, su presentación fue como estar dentro de un torbellino y viajar al mundo mágico de Oz.

KK NULL y Balázs Pándi

Después del maremoto sonoro presenciado, la mejor forma de terminar la sesión fue con la primera visita de Lightning Bolt a nuestro país. Pese a que un día antes los organizadores afirmaron que el binomio estadounidense tocaría a nivel de público como a los propios integrantes les gusta hacerlo, la realidad no fue así y sobre la tarima del escenario se acomodaron Brian Chippendale en su batería y Brian Gibson detrás de su bajo de cinco cuerdas y lleno de pedales de distorsión.

Para dar inicio a su concierto, Chippendale, viejo conocido de México porque hace un par de años se presentó con su proyecto en solitario Black Pus, se colocó su característica máscara conformada por pedazos deshilachados de tela y así dio inicio el acto principal ante una audiencia que mostró su gusto por la música poco ordinaria y su solidaridad hacia el Festival Aural, lo que se tradujo en casi un sold out.

Lightning Bolt por primera vez en México

La realidad es que el sonido de la dupla americana no fue el mejor y por momentos sonaba mal ecualizado y hueco, aunque previamente todos sabíamos que estábamos ante uno de los conjuntos de noise y avant garde más importantes del mundo y no frente a una Orquesta Filarmónica en el Palacio de Bellas Artes.

Desde un inicio se sintió la furia pletórica de Lightning Bolt y eso provocó que a los pocos minutos de iniciado el concierto, Chippendale rompiera una de sus baquetas debido a la furia desmedida con la que aporreaba los tambores. Debajo del escenario, se vivió un intenso slam como pocas veces es posible presenciar y durante una hora se pudo atestiguar el verdadero soundtrack del fin del mundo.

Brian Chippendale y Brian Gibson son Lightning Bolt

Ya hacia el final, el dueto todavía realizó un encore y fue entonces que se pudo escuchar “Dracula Mountain”, tema que aparece en su álbum Wonderful Rainbow del 2003 y fue el remate de una intensa noche llena de ruido, caos y distorsión que dejaron como consecuencia fuertes estragos de tinnitus en los oídos de los asistentes pero que sin duda cumplieron con lo prometido y provocaron la noche más ruidosa del año.

viernes, 15 de diciembre de 2017

Reseña: Mutagénicos - ¡¡Mutan!! (Amok Records / Sweet Grooves Records / Hurrah! Música, 2017)




Con el pasar del tiempo la tecnología se ha convertido en el big brother que todo lo ve y está presente en cualquier lugar, ¿pero qué sucede con los que no están dispuestos a sucumbir a los embates modernos ni les interesa ser esclavos de los aparatos de moda que supuestamente facilitan las actividades diarias?

Si la pregunta anterior la trasladamos al mundo de la música, es claro que Mutagénicos encaja a la perfección dentro del bloque de músicos que no han caído rendido ante el mundo moderno y viven encapsulados en un burbuja que se quedó atrapada en las décadas de los cincuenta y sesenta.

En este caso, Mutagénicos es un cuarteto originario de la ciudad española de Logroño que se formó en el 2008 y actualmente está conformado por Afredo "Roto" (guitarra, voz y percusión), Santi "El Pequeño" (bajo, samplers y coros), Jorge "Stereo" (teclado y voz) y Pablo "Magariños" (batería y voz).

Pese a contar con casi una década de trayectoria, apenas este año fue publicado su segundo LP en el que se dan cita ritmos como R&B, fratrock, música surf, protopunk y beat, aunque en conjunto se trata de un rock & roll sencillo, simple, rítmico y negroide, pero bien ejecutado.

Mientras que su primer material estuvo marcado por los temas instrumentales, en esta ocasión optaron por la variante con voz. De inicio, el cuarteto crea en "Mutagenízate" un safari musical gracias a la incorporación de un saxofón, con lo cual le brindan una mayor riqueza y variedad a su trabajo. Por otra parte, en "Saturno Es Aburrido" es un cover a Los Nikis y aunque se escucha un pequeño guiño inicial al clásico "Out Of Limits" de The Marketts, aunque pasados unos segundos todo se transforma en una fiesta sonora protagonizada por una trepidante batería. A su vez, "La Ola del Diablo" es un exquisito tema instrumental que de inmediato transporta a las costas de California y su eterno verano.

Editado en conjunto por los sellos españoles Amok Records, Sweet Grooves Records y Hurrah! Música y con una portada realizada por el diseñador gráfico Mikel Echandi que simula el arte de los antiguos cómics, el álbum es un claro ejemplo de la forma en que se pueden combinar distintos estilos distintos hasta confeccionar un sólido trabajo musical con un toque personal.


jueves, 14 de diciembre de 2017

Descarga: Megatronadores - Wanglen (Independiente, 2017)




Exactamente dos años después de la publicación de su primer material (recomendamos leer nuestra reseña), el cuarteto argentino Megatronadores tiene listo su segundo álbum, en el que pulen su sonido que parte de la música surf instrumental pero combinado con teclados y efectos espaciales que parecen salidos de otra galaxia, con lo que consiguen crear un estilo distintivo que los aleja de lo que proponen la mayoría de las agrupaciones.

En esta ocasión, el conjunto sudamericano creado con el único objetivo de brindarle un poco de diversión a sus integrantes, concibió una decena de originales canciones que destacan por alejarse del purismo sonoro y en su lugar se adentran en los terrenos del cóctel musical por la gran cantidad de elementos que se encuentran presentes.

Conformado por Dani (guitarras), Niko (teclado), Yon Kooleado (bajo) y Facu (batería), Megatronadores recuerda en cierta manera al trabajo de The Wipeouters, el proyecto paralelo de los integrantes de Devo en el que ligeramente intentaron tocar música surf pero al final les salió algo muy diferente.

Como ejemplo del sonido del material se puede remitir a "Azra", en el que la guitarra reverberada se funde con unos multicolores teclados galácticos; por otra parte, en "Bandolero Andino" integraron elementos del sonido western a su estilo espacial from outer space.

De manera autogestiva y con recursos propios, el segundo lanzamiento del cuarteto originario de Bariloche se erige como una original propuesta y al igual que su material debut, se encuentra disponible en descarga gratuita en Bandcamp.


jueves, 7 de diciembre de 2017

Reseña: Bee Bee Sea - Sonic Boomerang (Dirty Water Records USA / Wild Honey Records, 2017)




Al menos durante los últimos 15 años, la psicodelia ha vivido un resurgimiento dentro del campo musical a nivel mundial; jamás desapareció, pero es una realidad que en la actualidad cada vez son más las agrupaciones que se enmarcan dentro del movimiento y de igual forma ahora existen más espacios en medios de comunicación e inclusive festivales especializados para darle cabida a todo esta nueva generación.

De esa forma, en la ciudad italiana de Castel Goffredo se conocieron tres jóvenes adoradores de las guitarras ruidosas y llenas de distorsión, por lo que optaron por iniciar su propio proyecto con el que buscaron emular a sus ídolos musicales.

Fue así como Wilson Wilson (voz y guitarra), Giacomo Parisio (bajo) y Andrea Onofrio (batería) crearon a Bee Bee Sea en el 2014. Apenas un año después publicaron su álbum debut, el cual les ganó buenas críticas y les permitió salir de gira por toda Europa.

Ahora en pleno 2017, el trío tiene listo su segundo LP que ha sido publicado en conjunto por Dirty Water Records USA y Wild Honey Records y en el que, al igual que en su antecesor, se siente una fuerte influencia de agrupaciones como The Black Lips, Thee Oh Sees y King Khan & The Shrines.

A través de ocho composiciones el trinomio presenta un sonido fresco como la brisa del verano, con una batería ansiosa que nunca deja de sonar y una guitarra con un distorsión omnipresente que domina todas las canciones.

Para abrir bocado, el álbum inicia con "Sonic Boomerang", un torpedo sonoro que al inicio podría recordar a Davie Allan gracias al manejo del fuzz en la guitarra, pero después se transforma en una fiesta a la orilla de la playa. Por otra parte, en "This Dog Is The King Of Losers" el conjunto muestra su lado más divertido pero cargado de un fuerte espíritu psicodélico durante sus casi seis minutos de duración.

Y de la misma forma en que sucede con las mejores fiestas, el único inconveniente con el álbum llega cuando se termina, aunque en este caso todo se soluciona al volver a escucharlo todas las veces que sea necesario para hipnotizar los oídos.


miércoles, 6 de diciembre de 2017

Reseña: Baronen & Satan - Satan Is A Lady (Dirty Water Records USA, 2017)




El rock es un estilo universal que ha sabido replicarse en todos los puntos del planeta y aunque cuando se habla de Suecia tal vez no se mencionen muchos nombres (nosotros hemos escrito reseñas de Makeouts y The Surfites), la realidad es que de manera constante existen agrupaciones que surgen en el país europeo.

En este caso, uno de los proyectos más recientes que se puede mencionar es Baronen & Satan, conjunto proveniente de la gélida ciudad de Gothenburg, que inicialmente fue fundado por la pareja conformada por Linda Rydelius (voz) y Philippe Sainz (guitarra) a finales de 2013. Fue hasta un par de años después que se unieron Marie Bergqvist (bajo) y Stefan Young Sik Olsson (batería) que se conformó la alineación actual del grupo.

Al respecto, es importante acotar que el cuarteto define su estilo musical como Garagedeath, un curioso término que se puede entender como la unión del rock primitivo, sucio y desaliñado con ciertos toques de oscuridad y tenebrosidad.

De esta forma, durante el pasado Halloween el conjunto sueco lanzó a la venta su primer álbum, titulado Satan Is A Lady, a través del naciente sello Dirty Waters Records USA, filial de la disquera inglesa.

Lo que llama la atención del conjunto es que dentro de sus canciones es posible encontrar elementos de The Cramps, The Stooges, Blondie, Bauhaus, Suicide y Velvet Underground. Todos juntos y bien revueltos hasta crear un licuado sonoro en el que también se dan cita las atmósferas psicodélicas y tenebrosas dignas de un aquelarre.

Para completar el cuadro, el álbum fue producido por el estadounidense Jim Diamond, conocido por su trabajo detrás de la consola en materiales de bandas que van desde The White Stripes hasta los Dirt Bombs. El resultado se tradujo en 10 temas oscuros pero salvajes, tenebrosos pero ponzoñosos. Con una áspera guitarra que recuerda a Ron Asheton y una cantante que suena a una Debbie Harry enojada con la vida, el resultado hace obligado el prestarle más atención a Suecia para encontrar más grupos que logren uniones de este nivel.


lunes, 4 de diciembre de 2017

LA ORGÍA SONORA DE EARTHLESS Y RADIO MOSCOW EN MÉXICO



Earthless, Radio Moscow y Alpine Fuzz Society ofrecieron una de las noches más psicodélicas del año en la Ciudad de México.

Resulta muy complicado rastrear los inicios de la psicodelia en la música pero lo que es cierto es que en la actualidad, este estilo musical goza de una enorme aceptación en México y cada vez son más las agrupaciones nacionales que se inclinan hacia los sonidos que no conocen de límites ni quieren encasillarse en reglas absurdas para pertenecer a un cierto género musical.

En ese sentido, además de la nutrida oferta musical que cada fin de semana alimenta los foros de la capital mexicana con bandas nacionales que apenas se están labrando su propio camino, también ha sido importante el trabajo de promotores que, sin grandes presupuestos, se han ocupado de traer a nuestro país a grupos de renombre dentro de pequeños nichos pero que no gozan del reconocimiento popular.

Acerca del punto anterior, el trabajo de Kill Pill Klvb ha resultado definitorio para arriesgarse y apostar por la psicodelia y el blues, siempre acompañado por conciertos de enorme nivel y con precios que resulten adecuados para el público mexicano.

De esta forma, su apuesta más reciente fue traer por primera vez a nuestro país a Earthless y por tercera ocasión a Radio Moscow, además de lograr que el debut profesional del 'supergrupo' Alpine Fuzz Society se realizara en territorio mexicano.


Earthless y Radio Moscow en México. Fotografía de Ivan Nieblas

Desde varias horas antes del concierto se sintió la emoción del público mexicano, lo que generó que en el momento en el que se autorizó el ingreso de los primeros fanáticos al recinto, la fila ya casi le daba la vuelta a la calle, situación que no suele ocurrir muy seguido con esta clase de eventos. Y esto apenas era el inicio de una prometedora noche de las que jamás se olvidan.

Una vez en el interior, lo primero que recibía a los asistentes era la selección musical a cargo de Urko SS, dupla de afamados difusores del rock en el país, y la cual iba de Fu Manchu a Motörhead y de Megadeth a Black Sabbath. Las bocinas de Sala Corona vomitaban lo más sucio del rock de diferentes décadas pero siempre a máximo volumen, lo cual sirvió de introducción para darle la bienvenida a Motor, agrupación capitalina fundada por Manuel Suárez, quien en los noventa fue cantante de Guillotina, una de las bandas mexicanas más famosas de lo que algunos denominaron como grunge y que en su momento inclusive lograron trabajar al lado del emblemático productor estadounidense Jack Endino.

Ahora en esta nueva etapa, el cuarteto ha sorprendido por su constante actividad y en apenas un lustro ya ha lanzado tres álbumes, por lo que su presentación consistió en una cuidadosa selección de lo más destacado de cada uno de sus discos, con canciones que muestran un rock duro y potente que generó una respuesta mixta entre el público.


Alpine Fuzz Society. Fotografía de Ivan PM

Inmediatamente después tocó el turno de ver a Alpine Fuzz Society, un ‘supergrupo’ conformado por integrantes de Earthless y Radio Moscow y el cual apenas realizó el segundo concierto de su historia, siendo su debut una noche antes en Guadalajara. Pese a que originalmente se anunció como un trío e inclusive así se describen en su cuenta oficial de Instagram, en realidad se presentaron como cuarteto con Parker Griggs (guitarra y voz), Paul Marrone (bajo), Isaiah Mitchell (guitarra) y Mario Rubalcaba (batería).

A pesar de la enorme trayectoria con la que cuenta cada uno de ellos, sorprende que no cuentan con miembros de staff que se encarguen de conectar y afinar los instrumentos, por lo que cada uno subió a la tarima como si fueran unos principiantes y cuando parecía que todo estaba listo, regresaron a sus camerinos tan sólo para reaparecer sobre el escenario un par de minutos después pero ahora cada uno con unas hojas en sus manos que delataban el setlist que interpretarían.

Cuando un músico decide crear un proyecto alterno, lo primero que se espera es que sea diferente a su banda principal para que realmente amerite el crear música bajo otro nombre y en el caso de este debutante cuarteto se aprecia de inmediato. Contrario a lo que hace cada uno de los integrantes con sus grupos principales, en Alpine Fuzz Society se escucha un rock más inclinado hacia lo que se puede llamar tradicional, con canciones conformadas por la estructura verso-coro-verso y que no rebasan los 4 minutos de duración.

Antes de iniciar, Parker, quien se coloca en primer plano, comenta que se sienten muy emocionados de que sus primeras 2 presentaciones hayan sido en México por todo el cariño que el país les ha brindado y de inmediato da comienzo su furibundo concierto. Aquí no hay lugar para las improvisaciones ni los jams cósmicos, todo es un rock rápido y potente que ellos mismos han definido como high-energy-garage-rock-&-roll y el cual por momentos provoca que Mario se acerque a su trabajo en los tambores en OFF!, proyecto en el que participa junto al inquieto Keith Morris.

Apenas media hora fue suficiente para escuchar la mayoría de los temas que conformarán el álbum debut de Alpine Fuzz Society, el cual dijeron que ya fue grabado y saldrá a la venta en algún momento del próximo año a través del sello californiano Alive Naturalsound Records.


Radio Moscow. Fotografía de Ivan PM

Para estos momentos de la noche el lugar luce al menos al 90 por ciento de su capacidad y es notorio que el público mexicano le tiene un gran cariño a Radio Moscow. Resulta imposible explicar cómo nació este cariño mutuo pero hay que recordar que las dos visitas anteriores del trío a la capital mexicana, ocurridas en 2015 y 2016, fueron completamente exitosas con foros a su máxima capacidad. Ahora en un lugar mucho más grande que tiene una capacidad para mil 300 personas, el reto luce mayúsculo pero ellos lo enfrentaron sin problema.

Lo que al inicio llama la atención es que como pocas veces, el ingeniero de sonido hizo un gran trabajo y es posible escuchar todo a máximo volumen pero con claridad, lo cual siempre se agradece si te encuentras en un concierto de rock.

Fieles a su costumbre, los integrantes del trinomio no se caracterizan por entablar un diálogo con el público a través de palabras y prefieren hablar con su música. Durante poco más de una hora dieron un repaso a los 5 álbumes que conforman su discografía, con especial énfasis a New Beginnings, su material más reciente que tiene pocas semanas de haber sido lanzado y el cual también marca su debut con el experimentado sello Century Media Records.

Precisamente el tema que le da nombre a su nuevo material es el primero en sonar, marcado por la rasposa voz de Parker junto con sus explosivos solos de guitarra, los cuales son redondeados por el bajeo sólido de Anthony Meier y el trabajo en la batería de Paul Marrone, quien nunca pierde el ritmo y en conjunto generan un flameante sonido que recuerda los momentos de gloria de Cream, el conjunto que inauguró la figura de los power tríos en el rock hace medio siglo.

A lo largo de poco más de una decena de temas, sonaron nítidos y generaron una bomba sonora que fue complementada con un juego de luces y unas sencillas animaciones que se proyectaron al fondo del escenario. No hubo encore pero su trabajo cumplió las elevadas expectativas que se tenía sobre ellos y hace creer que en caso de una nueva visita a la capital mexicana, tendrá que ser para un foro mucho más grande porque se trata de una banda en constante ascenso que cada vez tiene nuevos adeptos.

Al finalizar su presentación fue obvio que muchos asistentes sólo fueron por Radio Moscow porque el foro ligeramente se vació, lo que generó que fuera más cómodo y sencillo acercarse lo más posible al escenario y después de unos minutos por fin inició Earthless, trío californiano de rock instrumental y enorme trayectoria que por primera vez se presentó en la capital mexicana.

En una esquina se colocó Mike Eginton con su bajo y a él lo siguieron Isaiah Mitchell en la guitarra y Mario Rubalcaba en la batería, quienes  tuvieron tiempo de descansar después de lo hecho minutos antes con Alpine Fuzz Society. Como es una tradición en sus conciertos, iniciaron con "Uluru Rock", tema contenido en From the Agessu segundo material y el cual vio la luz en el 2013.

En el caso de este experimentado trío, su estilo está marcado por la eterna improvisación y por generar orgías sonoras que hipnotizan oídos. En sus canciones no hay principios ni finales porque todo se encuentra conectado y generaron un telaraña sónica en la que se alcanzaron a escuchar algunos riffs de "Dazed And Confused", composición del cantante de folk Jake Holmes pero que Led Zeppelin haría suya en 1969.

Lo correcto sería afirmar que durante hora y media el trío derritió los oídos de los asistentes gracias a un jam gigantesco protagonizado por la guitarra de Mitchell, quien sin la necesidad de hacer malabares con su instrumento ni intentar ser un virtuoso de la guitarra, sí demostró que se trata de uno de los mejores músicos de su generación. Su secreto es hacer mucho con los menos elementos posibles, además no conoce de limitaciones y ha hecho de la improvisación su principal arma.


Earthless al finalizar su presentación. Fotografía tomada del Facebook de la banda

Al finalizar, lo normal fue cerciorarse de si en realidad seguíamos vivos y nuestras cabezas continuaban en su lugar porque lo ofrecido por las agrupaciones fue como realizar un viaje interplanetario, además de que resultó llamativo ver la multitudinaria respuesta del público mexicano, por lo que los encargados de Kill Pill Klvb confirmaron que esto los motiva a seguir por el mismo camino y seguro el próximo año vendrán más concierto del mismo nivel en nuestro país.


domingo, 3 de diciembre de 2017

ENTREVISTA: El sonido atemporal de Os Haxixins



Durante la gira mexicana del cuarteto brasileño de garage psicodélico Os Haxixins, les realizamos la siguiente entrevista.

Si en el mundo del garage a nivel mundial existe una agrupación que se ganó al respeto y la admiración por renegar de todas las cosas y modas que acontecían a su alrededor y en lugar de eso se encargó de revivir la estética y el sonido de la década de los sesenta, fue el cuarteto brasileño Os Haxixins.

Surgido en los primeros años del Siglo XXI, el conjunto sudamericano se preocupó por recrear al máximo el sonido de sus ídolos que inclusive se encargó de emplear únicamente instrumentos de bulbos fabricados en los sesenta y todas sus grabaciones siempre fueron hechas en sonido monoaural.

Primero lograron captar la atención de algunos medios locales especializados y a partir de eso lograron darse a conocer en el extranjero, lo que les permitió ser fichados por prestigiosos sellos como Groovie Records (Portugal) y Get Hip Recordings (Estados Unidos), además de realizar varias giras por Europa.

Pese a lo anterior, el tiempo se encargó de provocar cierto distanciamiento entre los integrantes del conjunto y aunque oficialmente nunca se han separado, sí se alejaron de los escenarios y en los últimos años sólo suelen ofrecer esporádicos conciertos en su país natal.

Fue por eso que resultó una grata sorpresa cuando se anunció que Os Haxixins se presentarían por primera vez en México en un concierto organizado en la capital por el colectivo PsychOut, por lo cual en Música Inclasificable nos dimos a la tarea de contactar a Edu Osmédio, bajista de la banda, para la siguiente entrevista que fue realizada días antes de su visita a México.

Os Haxixins Tour México 2017. Ilustración tomada del Facebook de la banda

¿Cómo se sienten de esta visita inesperada por México?

Edu Osmédio: En realidad no tenemos nada listo y apenas hace unas semanas nos volvimos a juntar todos en un mismo salón para ensayar nuestro repertorio y empezar desde cero porque en los últimos años la banda prácticamente ha desaparecido y sólo nos reunimos para algunos conciertos esporádicos en Brasil, pero en esta ocasión decidimos hacer algo diferente y por eso aprovechamos esta oportunidad que se nos presentó de ir a México. Pero a pesar de eso, buscaremos ofrecer lo mejor de cada uno de nosotros para no decepcionar a nuestros fanáticos mexicanos.

¿Cómo fue que se dio la invitación para presentarse en México?

EO: Todo fue muy simple y fue gracias a Ximena [integrante del colectivo PsychOut] quien le hizo la invitación a Uly, nuestro baterista y fundador de la banda. Nosotros siempre habíamos tenido muchas ganas de venir a México pero por desgracia nunca habíamos recibido un ofrecimiento formal de algún organizador así que en esta ocasión no lo dudamos y de inmediato dijimos que sí.

Como lo mencionaste, en los últimos años la actividad de la banda disminuyó considerablemente, ¿a qué se debió esto?

EO: Fue simplemente porque cada uno de los integrantes decidimos seguir con otros proyectos y explorar otros sonidos, pero al final nuestra unión siempre se ha mantenido y el amor que cada uno de nosotros tenemos por Os Haxixins ha hecho que sea imposible terminar con la banda y es por eso que cada que podemos y se presentan las posibilidades, aprovechamos para ofrecer algún concierto.



¿Y qué fue lo que los motivó a venir a México?

EO: Fue el hecho de que siempre hemos admirado mucho a México por toda su cultura y siempre habíamos tenido el sueño de presentarnos aquí pero como ya lo mencioné, lo único que nos había faltado era una invitación seria y formal de parte de algún promotor para poder concretarlo.

Una característica primordial del sonido de Os Haxixins es que suelen emplear sólo instrumentos antiguos o de bulbos para adquirir un estilo que se acerque lo más posible a lo que se hacía en la década de los sesenta, ¿eso representa algún problema para ustedes en la actualidad?

EO: En realidad ahora no tenemos problema con eso porque aunque es verdad que a nosotros nos gusta sólo utilizar instrumentos fabricados en los sesenta para darle a nuestro sonido un estilo vintage, en realidad eso sólo lo hacemos para las grabaciones y cuando nos encerrábamos en algún estudio de grabación, pero con el tiempo aprendimos que es muy complicado ser así siempre, por lo que para los conciertos o giras internacionales nos acomodamos a lo que tenemos a nuestra disposición y el equipo que nos puedan prestar en los foros en los que nos presentemos.

En la actualidad, ¿qué otros proyectos alternos tienen los integrantes de la banda?

EO: Todos tenemos otras bandas musicales, algunas de las que existen actualmente son Os Subterráneos, Capitán Bourbon y Viejos Lobos, entre otras.


He visto que en tu caso también eres director de algunos vídeos musicales y en especial de una serie llamada “A Idade da Terra Em Transe”, ¿puedes explicar en qué consiste?

EO: Sí, yo he dirigido algunos videos musicales y en el caso de esa serie, se creó para promover un festival también llamado “A Idade da Terra Em Transe”, el cual fue nombrado así por un par de películas de Glauber Rocha, uno de los cineastas brasileños más importantes que hemos tenido y que yo considero como uno de los más grandes artistas que han existido aquí


¿Existen planes de grabar un nuevo álbum o tal vez publicar un nuevo 7” de Os Haxixins?

EO: No, a pesar de que en su momento intentamos reunirnos en un estudio y grabar el que hubiera sido nuestro tercer LP, las cosas no funcionaron y creemos que es mejor no forzarlas, así que en realidad no tenemos planes de grabar ni de publicar nada nuevo.

Finalmente, ¿cómo se encuentra el movimiento del garage actualmente en Brasil? ¿Hay algunas bandas que puedas recomendar?

EO: Aquí la escena del garage se encuentra muy bien y existen infinidad de agrupaciones que actualmente están haciendo cosas bastante buenas y que me gustan, aunque hay que recordar que Brasil es un país enorme y creo que resultaría imposible poder conocerlas a todas por la cuestión geográfica pero al menos en el campo del garage y la psicodelia actual yo recomiendo mucho a Os Subterrâneos, Os Estilhaços, Os Artefactos, Os Tulipas Negras y Os Longes.


Para conocer más de la banda recomendamos visitar su Facebook oficial: